Таким образом мы увидели и фильм, получивший «Кристалл» Анси — «Calamity, a Childhood of Martha Jane Cannary», фильм о детстве Марты Джейн Каннари, по прозвищу «Беда», реальной женщины-ковбоя на диком американском Западе в середине 19-го века. Актуальная сегодня история о становлении сильного женского характера на основе исторической биографии стала подростковой приключенческой лентой с взрывной героиней, переодевшейся в мальчишку, чтобы заниматься лошадьми, сентиментальным вестерном, снятым в 2D, масштабно, но без графической оригинальности, которая могла бы помешать фильму выйти к широкому зрителю и отвлечь от сюжета. Снял этот фильм Реми Шейе, прославившийся в 2015-м другим подростковым приключением с решительным женским характером в центре — фильмом «Далеко на Север», прокатом которого в России занимался БФМ.

Из коммерческих фильмов меня в конкурсе, пожалуй, больше всего заинтересовал японский «Lupin III The First» режиссера Takashi Yamazaki — 3D компьютерная графика про приключения обаятельного и неуловимого вора.

Еще можно было во фрагментах посмотреть японский фильм «7 Days War» режиссера Yuta Murano, молодежное кино с сюжетом об опасных приключениях школьников, нарисованное в традиционном анимешном стиле. Такое кино — не моя чашка чаю, но по фрагменту о компании школьников, сбежавших из дома, чтобы развлечься, о застенчивом влюбленном герое и страшноватом месте, где ребята решили остановиться, становилось понятно, что дальше сюжет будет закручен туго.

Бельгийско-французский «Bigfoot Family» режиссеров Ben Stassen и Jeremie Degruson — уже более детские и еще более привычные сегодня 3D приключения семейки, где папа — цивилизовавшийся снежный человек пытается защитить заповедник на Аляске, а его сын и жена с кучей дружественной живности спасают его и заодно мир. Из этого кино тоже показали только фрагмент, и его хватило.

Целиком можно было посмотреть чилийско-бразильские волшебные приключения мальчика из рыбацкой деревни, спасающего отца из рук колдуна «Nahuel and the Magic Book» режиссера Germán Acuna, но я, честно говоря, тоже обошлась фрагментом. Было похоже, что это неплохое детское кино.

И еще по фрагменту мне показалось, что может быть забавным «Petit Vampire» известного французского комиксиста и режиссера Joann Sfar по его же комиксу про маленького вампира, которому скучно в доме с монстрами, а хочется найти друзей (Сфар — автор комикса и режиссер мультфильма «Кот раввина»).

Фильм «Jungle Beat: The Movie» режиссера Brent Dawes из Маврикия, как я поняла, сделан из популярного в стране сериала. Думаю, что в программу кино взяли прежде всего за то, что произведено оно в «неанимационной» стране, откуда в Анси редко что-нибудь попадает. Других причин не вижу, хотя, честно скажу, целиком его смотреть не смогла. Стандартное детское кино с «резиновой» 3D графикой про говорящих животных и инопланетянина, который познал прелесть дружбы. Вроде бы он уже идет у нас в прокате под названием «Зов джунглей».

От России в основном конкурсе было два фильма. «Огонек-Огниво» режиссера Константина Щекина — вполне традиционная назидательная сказка кинокомпании «Вверх», отталкивающаяся от андерсеновского сюжета про трех собак, а дальше решающая вопросы любви (в частности, к деньгам), верности, самопожертвования и т.д. «Огонек» (это имя девушки), как обещают, выйдет в России в прокат в октябре (если из-за карантина к тому времени прокат не схлопнется окончательно).

Вторым российским фильмом был «Нос, или заговор «не таких» одного из наших анимационных классиков Андрея Хржановского, снятый на студии ШАР и получивший в Анси приз жюри, чего с нашими полными метрами еще не бывало. «Нос», в центре которого стоит опера Шостаковича, — очень масштабная и амбициозная работа, собранная из такого огромного количества деталей, цитат, отступлений, анимационных техник, художественных манер и сюжетных твистов, что кажется, с первого раза разобраться в ней невозможно. Удивительно, как это удалось сделать жюри, которое наверняка большую часть отсылок, связанных с русско-советской культурой и историей, не считывает. Формально фильм состоит из трех «Снов». Первый — это главным образом история майора Ковалева через оперу Шостаковича, которую показывают в театре. (У Андрея Юрьевича есть прекрасная история о том, как Шостакович, ценивший дебютный мультфильм Хржановского «Жил-был Козявин», дал ему разрешение когда-нибудь снять фильм по «Носу»). Причем с первого «сна» в гоголевский сюжет начинают проникать агенты русской культуры, например, сам Шостакович и Мейерхольд. Второй — сон Михаила Булгакова о дружбе со Сталиным, который сам Михаил Афанасьевич в настольном бумажном театрике разыгрывает для друзей, среди которых опять же весь цвет «Серебряного века» во главе с Ахматовой (и тут нельзя не вспомнить булгаковскую светящуюся коробочку в «Театральном романе») . Сюжет заканчивается тем, что скучающий тиран после отъезда любимого друга Миши едет со своей кликой в театр слушать «Нос». А третий сон — это «Сумбур вместо музыки», расправа над «Носом» (которая в реальности была несколько позже над шостаковической «Леди Макбет Мценского уезда») в виде «Антиформалистического райка» того же Шостаковича снова на театральной сцене.

Театра в фильме очень много, начиная от ярмарочного Петрушки до Мейерхольда, который вместе с Гоголем и Шостаковичем постоянно присутствует в сюжете как наблюдатель. Один исторический и литературный слой накладывается на другой, просвечивая, как настоящий полимпсест. Фильм этот начинается как будто документальными кадрами в салоне самолета, полном знаменитостей сегодняшней российской культуры от Камы Гинкаса и Анатолия Васильева до Наума Клеймана и Леонида Федорова, и каждый из них смотрит на портативном экране разное кино. Сам Хржановский тоже летит вместе с ними, и дальше все, что происходит в фильме, кроме оперы, будет озвучено голосом режиссера: от Сталина с грузинским акцентом до заикающегося Шостаковича и сплетниц в театральном зале. От этого возникает удивительное ощущение, что весь фильм — это сон Андрея Юрьевича Хржановского, прихотливо выстроенный сценаристом Юрием Арабовым из того потока образов и мыслей, которые занимают воображение режиссера. Кстати, кроме документально-игровых кадров из самолета со звездами культуры, которых узнает каждый, в картине есть документальные кадры с художниками и аниматорами, работающими над фильмом, - людьми, которых знает разве что кто-то из анимационного мира, но они так же важны для режиссера. Хржановский знаменит, как замечательный знаток изобразительного искусства и музыки, а еще как человек с невероятно широким кругом друзей и связей в арт-мире. И все это проявляется в фильме о «Носе», где в толпе персонажей — герои Репина, Федотова и Малевича, фрагменты из фильмов Эйзенштейна (как и сам Эйзенштейн) и документация упражнений по биомеханике, Маяковский и Ахматова, Микоян и Ворошилов, соцарт и передвижники, и все это гомонит и хлопочет. Тут цирюльник убегает от пионеров, охранники высокопоставленного Носа смотрят в мобильные телефоны, Путин говорит с Мединским о бюджете на культуру, лагерные вышки заметает снегом, мы видим протоколы о расстрелах, подписанные «тройкой» и знаменитое предсмертное письмо Мейерхольда: «Меня здесь били — больного 65-летнего старика…».

Фильм заканчивается тем, что небо мало-помалу заполняется самолетами, носящими имена «не таких» — художников убитых, раздавленных и сломленных режимом, как Шостакович. Не знаю, кажется ли это Андрею Юрьевичу поздним воздаянием его героям, а у меня, честно говоря, всегда вызывало большие сомнения, что государство, которое явно воспринимает себя как преемник советской власти, называет именами убитых им людей свои самолеты.

При том, что в фильме Хржановского главное — это его антитоталитарный пафос, для меня в нем особенно увлекателен изобразительный квест, который я пыталась пройти, без конца останавливая кино на второй раз просмотра, чтобы угадать откуда та или иная цитата. Знакомые, но не атрибутированные цитаты, не давали спать, причем многое, я уверена, я даже не идентифицировала как цитирование. И мне ужасно хотелось бы, чтобы кто-то, когда фильм выйдет, написал о нем текст-комментарий, указывая все источники и отсылки, по-моему, это было бы очень увлекательно.

Специальное упоминание жюри получил фильм польского режиссера Mariusz Wilczynski «Kill It and Leavethis Town», отозвавшийся во мне болезненнее и острее, чем все другие, фильм негармоничный, путаный (честно говоря, очень многого в нем до сих пор не понимаю), но очень сильный. Премьера его была на Берлинале, но тогда мне не удалось его увидеть, зато сейчас я посмотрела его подряд несколько раз. Фильм Вильчинского — пронзительная лирическая история тоски героя, которому режиссер отдал все: свое имя, свою внешность, свой голос, свое прошлое и настоящее, свою маяту. В фильме у Мариуша умирает мать и это запускает его расстроенное воображение. Как неприкаянный великан, ходит он по городу, заглядывая в окна, где сидят его молодые родители и показывают ему, маленькому, диафильмы. Это прошлое такое узнаваемое: тонущий в вечерней синеве промышленный город с бесконечными дымящими трубами и светящимися трамваями, где матери спят, держа на коленях спящих детей. Электричка с болтливой парой пенсионеров, которые вдруг окажутся морщинистыми Дональдом Даком и Минни Маус. Неведомо откуда взявшийся кот Бегемот и говорящая из-под колес голова Берлиоза. И все это накрывают тягучие блюзы знаменитого Тадеуша Налепы и сам он еще живой, молодой, длинноволосый вдруг тоже появляется в электричке, везущей Мариуша, повторяющего: «я не верю в смерть», куда-то, где он сможет снова увидеть родителей молодыми.

Я давно люблю острую графику Вильчинского, его лаконичный фильм «Kizi Mizi» — грустную историю любви в духе кино-нуара, но здесь, имея для полнометражного кино небольшой бюджет и маленькую команду, он все же попытался уйти от своей обычной простоты изображения в смешанную технику, воссоздавая мрачный город своего детства, промышленную, дымящую Лодзь со светящейся вывеской-слоном (интересно, что там было?) и волшебной вечерней синевой. Причем, воссоздавая довольно точно: его продюсер Эва Пущинска, говорила, что узнает район, рядом с которым жила в детстве. Вильчинский примерно мой ровесник и я остро чувствую то, что вспоминает он: советскую безнадежность, ощущение всюду разлитого насилия (невыносимая сцена с орущей на ребенка матерью в автобусе), чувство унижения и повсеместной враждебности. И следующие за этим болезненные фантазии, в которых главным остается все то же насилие и унижение: уродливые голые люди обнюхивают и облаивают друг друга как собаки, или оказываются под ножом на разделочной доске в магазине. Но сколь бы мы ни считали советский дух фильма понятным только нам, бывшим узникам социалистического лагеря, история про смерть матери — понятна всем, даже тем, кто ничего не знает про совок. Невозможно забыть полную тоски сцену последней встречи Мариуша с матерью в больнице — невыносимость находиться рядом с ней, умирающей, что понимают и она, и он. И невозможность пережить ее смерть - все вокруг напоминает о ней. И, боже, какая отчаянная и гротескная сцена в морге с зашиванием трупа, похожего на сморщенную куклу. Мариуш говорил потом: «После показа на Берлинале ко мне подходили люди. И те, кто был из Восточной Европы, говорили: «Как это прекрасно». А из Японии и Америки: «Ты показал нам ужасы коммунизма». Но все они повторяли: «Вернусь домой — зайду к маме».

Для Анси польская сторона устроила видеовстречу с Вильчинским и его продюсером, знаменитой Эвой Пущинской, на счету которой не один Оскар. Послушать этот разговор было очень интересно, поскольку многое в фильме открывалось с новой стороны, особенно то, что касается изумительных польских артистов, озвучивающих его. Мариуш рассказывал, что задумал этот фильм 14 лет назад и поначалу думал, что это будет короткометражка, но, когда он начал снимать, умерли один за другим его родители и лучший друг, которого он считал своим учителем — музыкант Тадеуш Налепа. Так они стали героями фильма. Была у желания снять этот фильм и культурная причина: стремление отдать дань тем, кто режиссера сформировал, людям, которые в это время были глубокими стариками и уходили один за другим. Режиссер рассказывал, что, когда начинал работать над фильмом, им было 90-100 лет и надо было спешить. Так что он написал диалоги, чтобы они успели их прочесть, зная, что переделать будет невозможно. В детстве, поскольку мама была все время занята, он слушал сказки в записи одной из любимейших польских актрис — Ирены Квятковски, и теперь, когда он пришел к ней, 98-летней, в дом престарелых, ему казалось, что он навещает свою бабушку, хотя она, конечно, его не знала. Ирена сыграла старуху в поезде, везущем Мариуша к морю. Старуху, похожую на Минни Маус. А увешенного наградами пенсионера — Дональда Дака, — озвучили двое, один из которых — Анджей Вайда. Внезапно появляющегося у поезда кота Бегемота озвучил Даниэль Ольбрыхский (как тут не вспомнить, что в фильме Вайды по «Мастеру и Маргарите» он играл Матфея). А Воланда и отрезанную голову Берлиоза озвучил режиссер-экспериментатор Збигнев Рыбчинский. Альтер эго Мариуша озвучил Густав Холюбек, политик, режиссер, актер, игравший в «Рукописи, найденной в Сарагосе», а одну из главных героинь, мать мальчика Янека — Кристина Янда, игравшая у Вайды в «Человеке из мрамора» и «Человеке из железа». Мариуш рассказывал, как они в дешевой студии, поскольку на другую денег не было, записывали ту самую сцену в больнице с матерью. Он сказал, что эта сцена была точно такой как в реальности, и его мать озвучивала старая актриса Барбара Краффтувна (тоже, кстати, игравшая в «Рукописи, найденной в Сарагосе») и она играла так, что техники в студии, где обычно записывают только рекламу, — плакали. И только потом менеджер актрисы сказал, что играла для своего единственного сына. Он умер недавно и только что привезли его прах. Таких удивительных совпадений было много, — говорил Мариуш, — но он не рассказывает о них потому, что не хочет эмоционального эксгибиционизма.

И еще Вильчинский говорил, что вообще-то он привык в фильмах все делать сам, но, конечно, полноценный полный метр в одиночку сделать невозможно (хоть он и снимал его 11 лет) и тогда он призвал своих учеников из киношколы в Лодзи и другую анимационную молодежь, так что по титрам видно, как много на этом фильме работало хороших начинающих режиссеров и даже не начинающих, как Марта Паек. Кстати, выяснилось, что Томек Попакул тоже учился у Вильчинского.

Теперь расскажу о фильмах конкурса «Contrechamp». Я сразу решила, что целиком из этих десяти фильмов посмотрю только «My Favorite War» латышской, но, видимо, живущей в Норвегии режиссерки Ilze Burkovska Jacobsen. Фильм Илзе, в результате и получил приз в этой категории (занятно, что в прошлом году победитель этого конкурса тоже был из Латвии, хотя анимация в стране совсем небольшая). Мне рассказывали, что вообще-то она документалистка, и о некоторых автобиографических сюжетах, о которых она рассказывает в этом фильме, она уже снимала фильмы. Но, видимо, почувствовала, что история требует от нее более полного рассказа, без пропусков, и ей стало ясно, что анимадок — это лучший способ подойти к теме, о которой больше воспоминаний и эмоциональных свидетельств, чем прямых документов.

Илзе вспоминает о детстве в маленьком приграничном латвийском городке рядом с советским военным полигоном, и о войне в своей жизни — образцовой пионерки, живущей в непонятной ребенку атмосфере двоемыслия. С одной стороны — парадов, портретов героев, ветеранов в орденах и постоянной учительской истерики о мире и преимуществах советского оружия, с воспоминаниями о рано умершем отце-журналисте, человеке вполне советском. С другой — осторожных рассказов дедушки, отсидевшего в Сибири и слушающего «вражеские голоса», жутковатых воспоминаний его друзей о приходе в деревню советской армии, а еще страшной находки: горы человеческих костей в раскопанной рядом с домом яме. И мама с ее ранним вдовством, старающаяся выжить с грузом своего происхождения, не высовываясь, и уберечь свою любопытную и бойкую дочку. Илзе младше меня, но ее детство и школа тоже пришлись на застойные годы и детали ее фильма тут же напомнили антивоенную истерию, которая была в моем московском детстве. Все эти бесконечные рассказы про ужасы войны и героизм, про пионеров-героев, каждый со своими страшилками о смерти и пытках (помню точно такие же ряды портретов пионеров-героев с невнятными лицами: Павлик Морозов, Марат Казей, Леня Голиков, Валя Котик…). Нагнетание страха: помню, что в детстве я ужасно боялась, что начнется война и всякий летящий низко самолет казался мне угрожающим. При том, что в семье этого не было, хоть папа и воевал, все только в общественном пространстве — школа, пионерский лагерь, радио (телевизора у нас не было). И помню все время тревожные мысли, как ворочалась в кровати в попытке примерить это на себя: выдержу ли я, не сдам ли товарищей? А если будут иголки под ногти загонять?

Кино у Илзе получилось, на мой взгляд, уж слишком тенденциозным и прямолинейным, к тому же грубоватый дизайн и упрощенная, как будто любительская анимация добавляют фильму «деревянности». Но тем не менее надо отдать должное цепкости ее памяти: при всех упрощениях, воспоминания о деталях милитаристски-антивоенной истерии 70-80-х годов, выглядят убедительно и напоминают многое, что казалось совсем забытым, но благодаря фильму, очнулось и заставило заново подумать о том, как годы холодной войны откликаются в сегодняшнем милитаристском кликушестве.

Как и собиралась, все остальные фильмы, я посмотрела фрагментами или «наискосок». Жалею, что не успела посмотреть, как следует, только один — сумасшедшую киноманскую картину экспериментального толка, строящуюся на множестве разных техник, коллаже, ротоскопе, фильтрах и т.д. с диким названием «Accidental Luxuriance of the Translucent Watery Rebus» хорватского режиссера Dalibor Baric, сделанный им полностью в одиночку, включая музыку. С сюжетом там тоже происходит бог знает что: это и детектив в несколько нуарном духе, и что-то социально-революционное, и про современное искусство (одна из героинь — художница-концептуалистка). Я, честно говоря, в этом фильме запуталась и не сразу обратила внимание на то, что ее режиссер — тот самый Далибор Барич, с которым я в прошлом году вместе была в жюри полнометражного конкурса фестиваля в Загребе, симпатичный и трогательно застенчивый человек, автор очень эффектных коллажных короткометражек и музыкант.

Специальное упоминание в конкурсе «Contrechamp» получил южнокорейский «The Shaman Sorceress» режиссера Jae-huun Ahn, как я поняла, музыкально-драматическая история о борьбе религий внутри семьи: в дом матери-шаманки возвращается из монастыря сын — новообращенный христианин. Не помню, была ли возможность посмотреть его целиком, но у меня всегда плохо идет традиционный анимешный дизайн, так что я не досмотрела до трагического поворота.

Еще один южнокорейский фильм в программе, явно рассчитывал на прокат, от него был только фрагмент — это фантастическая и кажется даже немного хоррор лента — «Beauty Water» режиссера Kyung Hun Cho, где героиня, некрасивая толстушка, которую все презирают, получает некую «воду красоты», способную ее превратить в красавицу, и с этого начинаются ее несчастья.

Производило впечатление эстонское кукольное кино «The Old Man Movie» режиссеров Mikk Magi и Oskar Lehemaa — дикая глумливая история про трех хулиганистых внуков, которых отправили на лето к деду в деревню и где они первым делом упустили драгоценную корову, которую нужно немедленно поймать, иначе ее вымя взорвется и случится катастрофа. Тут самым впечатляющим была даже не сама история, а абсолютно панковский дизайн и анимация с бодрым низовым юмором, от которой наверняка были бы в восторге любители треша.

Японско-индонезийский фильм «True North» режиссера Eiji Han Shimizu — это сделанная в грубоватом 3D история о мальчике и его семье, попавшим в северокорейский концлагерь, заканчивающаяся свидетельством выросшего героя о зверствах перед европейской цивилизацией (не помню, было ли это ООН или еще какое-то собрание). По тем фрагментам, что я видела, кино выглядело довольно штампованным.

Был в программе и еще один довольно неожиданный японский фильм (он получил приз за лучшую оригинальную музыку в полном метре от SACEM) — «On-Gaku: Our Sound» режиссера Kenji Iwaisawa про балбесов старшеклассников, решивших создать ансамбль, в жизни не брав в руки музыкальных инструментов. В прошлом году этот фильм получил приз за лучший полный метр в Оттаве, где очень любят отвязное кино, но в Анси был только фрагмент.

Аргентинский фильм «Lava» режиссера Ayar Blasco — фантастическое кино о том, как внезапно выключились все медиа, интернет, телефоны и др., — снят в духе дешевых анимационных сериалов, так что я посмотрела из него только пару фрагментов.

И еще было в программе два семейных фильма, не вызвавших у меня особого интереса: китайская сказка «The Legend of Hei» режиссера Ping Zhang про кота-демона, оборотня, вынужденного переселиться в город, когда лес был уничтожен городами.

И арабская сказка производства Саудовской Аравии и Египта «The Knight and the Princess», снятая режиссерами Bashir El Deek, Ibrahim Mousa на основе классической истории 7-го века о молодом воине, спасающего похищенных женщин и детей от пиратов, влюбившегося в принцессу и борющегося с тираном и его колдуном.

На этом о полных метрах все, так что перехожу к последнему пункту: прикладной анимации, а тут всегда есть, что показать.

Начну с музыкальных видео. От нас в этой программе был клип WWF и Ивана Дорна «Wild», джем под руководством Русланы Мирзаалиевой, о котором я не раз писала.

Мне очень нравится клип Jo Goes Hunting «Careful» интересной французской режиссерки Alice Saey. Там даже есть туманный сюжет про неких существ, которые злоупотребляют своими открытиями, украшая себя и тем создавая хаос, но на мой взгляд это чистая психоделика.

Целое любовное кино «Radio Romance» ливанской группы Mashrou' Leila, снятое режиссером из Франции Vladimir Mavounia-Kouka. Сюжет антигомофобный, и мне особенно нравится момент, когда герои, стремившиеся друг к другу весь фильм, встречаются и их отношения выглядят как современный танец.

Очень симпатичный французский ролик виртуального исполнителя с именем S+C+A+R+R «The Rest of My Days» в режиссуре Jack Antoine Charlot. Мне нравится «кукольный» персонаж и то, как он танцует, и мы много спорили о том, что там «живое». Была идея, что это 3D маска, а человек настоящий, а возможно это весь герой 3D и танец сделан в мокапе, и тогда интересно, кто танцует – сам исполнитель (кто-то подозревал по его инстаграму) или танцор.

Для американской нойз группы Lightning Bolt полуабстрактный бешеный клип на композицию «Blow to the Head», вполне отвечающий названию песни, снял американский же режиссер Caleb Wood.

Весьма эффектное, несколько сюрреалистическое видео «Tíseň» для чешского рэпера Past про разнообразные беспокойства и бедствия сняли чешские режиссерки Nora Strbova и Alžběta Suchanova. Похоже, что это ручное рисование и частично даже мелом.

Фильм английского режиссера Steve Cutts «The Turning Point» на музыку Wantaways, сатирически представляющий последствия загрязнения природы, как если бы люди и животные поменялись местами (ход довольно традиционный).

Теперь о еще одном прикладном жанре, одном из самых любимых: ролики для анимационных фестивалей. Их часто заказывают отличным режиссерам и дают им много свободы, поскольку тут главное не сюжет, а имидж и настроение. Для одного из знаменитых фестивалей – бразильского Anima Mundi (в прошлом году объявившего о финансовых проблемах, отчего все волнуются, будет ли он продолжаться) канадская режиссерка и художница Janet Perlman сделала веселый ролик как битбокс:

Конечно, нельзя забыть сделанный к 30-летию фестиваля Крок индийским режиссером Nijin Nazeem лихой абстрактный фильм «Journey of Krok», вдохновленный, в частности, Кандинским и Миро.

Для венского фестиваля женской анимации Tricky Women ролик «Tricky Realities — Festival Trailer 2020» сняла израильская режиссерка Rachel Gutgarts, она сочинила что-то вроде старой телепередачи о природе, где самка богомола ждет свою жертву (как известно, богомолихи откусывают головы своим сексуальным партнерам). Рахель свой дипломный фильм «A Love Letter to the One I Made Up» сняла в совершенно оригинальной технике, делая принт каждой фазы, и тут, вроде бы, тоже какая-то необычная техника и еще музыка очень интересная.

Марш анимационных персонажей «Strange Light» для французского фестиваля Ciné court animé 2020 в Роане снял Simon Vergely.

Теперь о рекламе. Для компании HERMES очень мной любимый китайский режиссер Lei Lei снял поздравление с китайским годом крысы: «Happy Year of the Rat 2020» в очаровательном стиле ретро-иллюстраций к научной фантастике.

Очень много теперь социальной рекламы и науч-поп фильмов делают про экологию, климат и др., из них, пожалуй, лучшим был «The Fish», снятый знаменитым американским режиссером с ником PES, мастером предметной анимации, чтобы показать, как пластик загрязняет среду (чайка, кстати, у него тоже кукольная).

Примерно тем же ходом, тоже с предметной анимацией, решает тему загрязнения иранский режиссер Aghil Hosseinian в ролике «We Only Get One Planet».

Довольно неожиданная реклама про кур, объединившихся, чтобы побороть механизм, убивающий куриц, не несущих яиц, и для этого научившихся делать ненастоящие яйца. Ролик заказан французской компанией, производящей яйца, и снят на AKAMA STUDIO. Реклама «Poulehouse: l'oeuf qui ne tue pas la poule» со слоганом «яйца, которые не убивают кур» тоже имеет экологический подход (они объясняют, что куры, которые перестают нестись, в их компании не уничтожаются, а уходят на пенсию до конца жизни).

Еще один важный сюжет социальной рекламы – темы, связанные с ментальным здоровьем, психологической помощью и т.д. Например, фильм американки Natalie Labarre, рассказывающий о том, как трудно принять известие о тяжелом диагнозе, и как нужна поддержка, возможность задать вопросы в момент, когда земля буквально уходит из-под ног. Это и показано в фильме «Leukemia & Lymphoma Society «Grace»:

Образовательных и научно-популярных интересных роликов в этом году было мало. Мне больше всего понравился сериал из микрофильмов про растения, которые изменили ход истории. На фестивале из него был двухминутный фильм про касторовые бобы (оказывается они еще и в яды входили), сделанный, как очень остроумная предметная анимация в шкафчике с множеством вещей. «Memoirs of Vegetation «The Castor Bean» сняла американская режиссерка Jessica Oreck. Этот фильм поначалу Анси выложил на свой канал, то теперь, к сожалению, убрал.

Конечно, был в программе и фильм TED-Ed, на этот раз, что особенно созвучно моменту, с фильмом-лекцией «Why Should You Read Sci-fi Superstar Octavia E. Butler?» о знаменитой писательнице научной фантастики, повлиявшей на рост популярности Афрофутуризма. Снял этот фильм доминиканский режиссер Tomas Pichardo.

Еще одно в какой-то степени образовательное кино построено, как анимадок. К 50-летию Led Zeppelin сделали фильм, основанный на рассказе Джимми Пэйджа о своих экспериментах в 60-х с легендарной гитарой Telecaster. «The Mystical Journey of Jimmy Page's '59 Telecaster» снял дуэт SMITH & FOULKES (авторы мультфильма «This Way Up»).

Любимый жанр «культовое кино за одну минуту анимации» в этом году реализован в эффектном живописном фильме Short Cuts «Cris et chuchotements» режиссерки из Франции Inés Sedan, напоминающем о фильме «Шепоты и крики» Бергмана. (Кстати Инес, автор не очень давнего анимадока «Love he said» по Буковски, основанном на его реальном выступлении).

На этом милом ролике мы и закончим. Будем ждать новых фестивалей, да и 14-ый БФМ не за горами!