Ну и все остальные имиджевые ролики студентов школы Гоблен, посвященные Бразилии, по одному на каждый день фестиваля, кроме первого, который был у меня в первом блоге:

Ну а теперь продолжаю свой блог уже по программам. Начинаю, как всегда с главной для меня – с короткого метра. И в первую очередь – о призерах.

Кристалл Анси в коротком метре получил фильм Bloeistraat 11 (как я понимаю, это адрес) дебютантки, милейшей девушки Nienke DEUTZ, и это тот случай, когда спорить не хочется – ее фильм входит в мою пятерку фаворитов. Нинке рассказывает историю о дружбе двух девчонок – «неразлейвода» в то пубертатное лето, когда одна уже начала превращаться в девушку (существенно, что у подруги, в чьем доме они тусуются, есть еще старший брат), а вторая - еще ребенок. Детская «дружба навеки» не выдерживает предательского взрыва гормонов и исчезает, будто ее и не было. История отличная, острая, безо всякой сентиментальности, и разыгрывается с помощью неожиданной техники, где вся среда – картонный дом и то, что его наполняет – вполне вещественное, реальное (Нинке на «завтраке с режиссерами» объясняла, что в этом возрасте людей мир вообще волнует мало – только дом и взаимоотношения), а сами герои – девочки и старший мальчик – плоские и полупрозрачные, как будто нарисованные и частично раскрашенные на пленке (а там действительно сложно придуманная технология, которая началась с очень трудоемкого рисования и вырезания каждой фазы из целлулоида, а потом все-таки нашелся какой-то компьютерный ход). И вот эта призрачность персонажей дает дополнительное ощущение непрочности и ускользания, так важной для самой истории об подростковых взаимоотношениях. Нинке Дютц рассказывала, что она сначала училась арту в Голландии – делала после этого всякие перформансы и инсталляции, в общем, любила экспериментировать, откуда и ее интерес к новому. А магистерскую степень получала уже анимационную в Бельгии, в академии KACK.

Второй по важности приз в коротком метре – приз жюри, а кроме того и приз публики получил Weekends, работающего на студии Пиксар американца Trevor JIMENEZ (но это проект совершенно независимый, хотя Тревор благодарит в титрах множество людей с Пиксара, которые ему помогали). Это история о ребенке, который болтается между разведенными родителями, неделю – с мамой, на выходных – у отца. Родители вполне благополучные, живут в больших хороших домах, любят мальчика, мама играет на пианино, папа в доме, набитом какими-то экзотическими вещами, тоже развлекает ребенка, играет во всякие стрелялки и т.д.. Но каждый из родителей ищет себе пару и молчаливый малыш все равно чувствует себя неприкаянно и видит странные сюрреалистические сны, в которых он скачет ночному городу на коне, стоящем у его кровати и встречается с фантастическим существом, похожим на недолгого бойфренда мамы. Интеллигентная двухмерная компьютерная графика плюс ясная, милая, простая история, видимо, всех тронувшая, принесли картине целых два приза, хотя, на мой взгляд, особенных высот в этом фильме нет. Занятно только, что, если Нинке всячески открещивалась от связи своего сюжета с собственным опытом (говорила, что у ее подруги была в детстве похожая история, но вообще это просто про пубертат), то Тревор, наоборот, очень настаивал на том, что это его личная история, и пианино мамы, и ее медицинский воротник после аварии, и папин странный дом, и даже красная лошадь в натуральную величину, стоявшая возле кровати. Он даже рассказывал, что когда показывал фильм родителям, то мама очень расстроилась, а папа не слишком включился в историю, но похвалил, как снято. Мне кажется симптоматичным вот это желание настаивать на документальности кино, и с его помощью преодолевать болезненные воспоминания и прошлые проблемы, так же, впрочем, как и сегодняшние. Анимация, сегодня очень развивается, как один из видов арт-терапии, ну а если кино получается еще и талантливая, то в выигрыше все.

Приз "Jean-Luc Xiberras" за лучший первый фильм получила живущая в Германии итальянка Martina SCARPELLI , снявшая фильм «Egg» с очень эффектной и узнаваемой черно-белой графикой, где героиня, видимо, страдающая анорексией, чувствует себя задавленной в постоянно сжимающемся воображаемом кубе, а съедание яйца превращается для нее в очень важное метафизическое происшествие. Для меня такое кино выглядит несколько мучительно, но дизайнерский класс его не могу не признать. Вообще этот несколько экспрессионистский графический стиль, видимо, для Мартины привычен, на ее канале есть еще один фильм, нарисованный в той же манере. На «завтраке с режиссерами» она говорила, что кино это она придумала еще когда училась на мастер-классе у Джоанны Куин, где было задание сделать фильм с закадровым текстом, но вот только через несколько лет вернулась к этой идее.

Упоминание жюри получил фильм «Biciklisti»\ «Велосипедисты» Veljko POPOVIC, очень яркий, забавный и, на мой вкус, лучший из всего, что я у этого режиссера видела, возможно именно потому, что сделано в очень не свойственной ему манере. Прежде я видела у Велько очень компьютерное и мрачно-многозначительное кино (чего никогда бы не подумала, глядя, на этого веселого рубаху-парня), а тут фильм получился простой, смешной, яркий, основанный на живописи и скульптурах умершего несколько лет назад хорватского художника Васко Липоваца. История рассказывает про двух велосипедистов из приморского городка, которым во время гонки придают пылу воспоминания о пышной красотке, за которую борются оба. Впрочем, в финале она не достанется ни одному из них. «Велосипедисты» пропитаны веселым эротизмом (Велько рассказывал, как обнаружил, что на старости лет Липовац рисовал очень много эротических картин) который к финалу становится уже совсем гротескным: важные лица, вроде мэра городка и капитана корабля торжественно выходят к людям без штанов. Это, как говорил режиссер, даже наследникам художника показалось несколько чрезмерным.

Ну и фильм, не получивший ни одного приза от жюри, но награжденный призом FIPRESCI и призом André-Martin Special Distinction за лучшую французскую короткометражку, а также мой фаворит, только что получивший Гран при в Загребе - La Chute \ «Падение» Boris LABBÉ. Я на этого режиссера обратила внимание с тех пор, как шесть лет назад он за свой диплом «Толпа» во французской киношколе EMCA получил в Анси спецупоминание жюри, а три года назад наполучал гору призов за фильм «Ризома», который мне очень нравится. Теперь Лаббе, поражающий воображение умением сделать фильм из множества неостановимо двигающихся деталей, и превратить хаос в танец, пошел еще дальше. Теперь его фильм имеет внятную историю – движение из рая в ад. Наш взгляд как будто из космоса видит муравьиную суету земной жизни, где движется и превращается все: деревья, цветы, люди, камни, предметы. Но постепенно благостность этой картины переходит во что-то страшное, уродливое, напоминающее босховские ужасы и в конце концов затягивается в воронку и улетает вниз, к самым страшным кругам дантовского ада. Причем все это происходит под мощную и нагнетающую трагизм электронную музыку. Борис рассказывал, что начинал с рисования на бумаги, теперь перешел на компьютер и говорил, что следующий его проект уже скорее контемпорари арт – визуальный концерт, который он делает в Сан-Пауло по японской поэзии.

На этом все о призерах, отмечу только, что веселая союзмультфильмовская короткометражка «Виват, мушкетеры!» Антона Дьякова, включенная в программу «Для молодой публики» (этот раздел в коротком метре появился только год назад) получила зрительский приз этой самой молодой публики, что, конечно, очень приятно. А теперь перехожу к остальным фильма короткометражной программы.

Gilles CUVELIER снял свой первый фильм (Fool Time) Job на довольно известной французской студии Papy3d, а название дал по-английски просто чтобы оно звучало двойственно. Очередная черно-белая антиутопия про безработного, который, чтобы прокормить семью, идет работать «диким человеком» во что-то вроде зоопарка. Вот так тут все с утра приходят на работу, оставляют одежду в шкафчиках и голыми бегают по зарослям, а посетители на них смотрят. В финале за решеткой зоопарка оказываются его жена и ребенок тоже. В общем, мысль не богатая, но распространенная.

«20 ритника» (« 20 ударов») болгарского режиссера Dimitar DIMITROV меня неожиданно очень тронул - чистая поэзия печального аутсайдера, почему-то с еврейским акцентом, видимо, из-за музыки и облика главного героя. Вот есть в сети целиком.

«A Fly in the Restaurant» - это фильм двух китайских независимых режиссеров Xi CHEN и Xu AN, они давно работают вместе и я давно за ними слежу. Уже первый их фильм, который я увидела 10 лет назад (он назывался Winter Solstice и получил много призов), был невероятно похож по манере и ритму на картины Игоря Ковалева, они и сами признавались Игорю, что очень его любят и разбирали его фильмы чуть не по кадрам. Постепенно они от этого отошли и анимация у них в последнее время стала похожа движение восточной марионетки (наверное, поэтому, мне теперь кажется, что последний фильм стилистически близок фильму «Рыбы, пловцы, корабли» Геллера). Они все время делали кино про разного рода прошлое, в новом фильме – это времена культурной революции, а фильм как будто снят с точки зрения мухи, кружащей над крошечным рестораном, где все занимаются своими делами, кто ест, а кто лозунги пишет. На завтраке с режиссерами был Кси Чен и, как я поняла, по его словам, его сорежиссер недавно умер, подтверждения этому не нашла, и это было очень неожиданно, поскольку они оба молодые. Чен тоже был как-то растерян, сказал, что этот фильм они делали вместе и вроде бы они задумали еще несколько проектов, а что будет потом, он не знает.

Фильм Afterwork режиссеров Luis USÓN, Andrés AGUILAR с неожиданным составом стран-производителей Эквадор, Испания, Перу, тоже излагает вполне банальную историю о рутинной жизни, унылой реальности и обманывающей мечте и т.д.. По телевизору показывают что-то напоминающее «Веселые мелодии», где заяц вроде Багз Банни гоняется за морковкой и выпрыгивает за ней в окно. Изо дня в день этот мультфильм смотрит после работы почти такой же, но измученный и трехмерный заяц, пока не видит у себя в холодильнике точно такую же живую нарисованную морковку, которую бросается догонять. Надо сказать, что когда на «завтраке с режиссерами» постановщик сказал, что вообще-то это про аниматоров фильм, поскольку у них после работы сил нет вообще ни на что и т.д., то все аниматоры в баре засмеялись с большим пониманием. Вот тут фильм есть целиком https://www.arte.tv/fr/videos/080920-000-A/afterwork/

Agouro, фильм двух постоянно работающих вместе португальцев David DOUTEL и Vasco SÁ – мрачная история про двух братьев, живущих вдвоем в каком-то суровом месте, причем, один из них (видимо, младший) кормилец (еще у них есть бык), а второй – болен и вроде бы не вполне адекватен. Тут основная техника – масляная живопись на стекле, атмосферная, вся в темных тонах, с туманами. Недаром они говорили, что референс для них – это скорее кино, причем в первую очередь Тарковский. Для игрового кино там довольно сильная история, медленно разворачивающаяся, про их жизнь и про то, как у младшего нарастает раздражение братом. В финале, когда из-за старшего происходит катастрофа, в результате которой в озеро, проломив тонкий лед, падает и бык, и сам старший, ждешь, конечно, что для младший ринется за быком и это будет освобождение, но он спасает старшего. На мой взгляд, такого рода психологическую историю лучше сыграют актеры, чем анимационные 2Д персонажи, но среда очень красивая и по ритму точно.

Animal Behaviour (Zoothérapie) знаменитой английской пары Alison SNOWDEN и David FINE, оскаровских лауреатов за очень мной любимое «День рожденья Боба» и в последние годы снимавших исключительно сериалы, - пожалуй, самый смешной фильм в как всегда мрачноватой короткометражной программе. Они очень узнаваемо показывают групповые занятия психотерапией у доктора-собаки Клемента, куда регулярно приходят поработать со своими проблемами пять созданий: свинья Тодд с расстройством пищевого поведения (он все время таскает булочки со стола), слезливая пиявка Лорейн, страдающая в разлуке (что отдельно смешно), решительная богомолиха Линда, у которой проблемы с мужчинами, зато тысячи детей, птичка Джеффри с комплексом вины и обсессивно-компульсивная кошка, без конца вылизывающаяся. Кстати, кошку озвучивала сама Элисон. Отдельно смешно, что все они очень разного размера, особенно когда посреди занятия входит новенький – огромная горилла Виктор, безуспешно пытающийся справиться со своей агрессией и, конечно, тут же начинающий наезжать на всех в то время, как доктор пытается мягко разрулить ситуацию.

Я рассказывала уже про пару из шести конкурсных фильмов John MORENA. Не буду говорить про остальные, которые можно увидеть в инстаграмме (забавно, что каждый из них он определяет по номеру во всем проекте, типа «фильм №14 из 52 экспериментальных фильмов, которые я сделал в 2017 году») и повторять тут его историю, дам только ссылку на любопытное интервью с ним, которое недавно сделал Крис Робинсон (https://www.awn.com/animationworld/lo-fi-perfection-incredible-year-animator-john-morena)

Там он начинает с того, что, когда увидел, что один парень прислал на селекцию в Оттаву 26 фильмов, он прежде всего решил отказать (понятно, что графоманов сразу видно по объему). А в конце говорит, что не только Анси взял у Морены 6 фильмов, но и бразильский Анима Мунди – 10 штук, Хиросима несколько, ну и, видимо, он для Оттавы тоже возьмет не один. Робинсон поражен обилием всевозможных техник и тем, которые берет Морена (самоучка, между прочим), а сам режиссер объясняет, что его заставило совершить этот подвиг – снимать по фильму в неделю: то, что он занимается анимацией 20 лет, ему 40 лет и у него до сих пор нет своего фильма и, мол, через 10 лет мне будет 50 и кому будет интересно, что я хочу сказать? Стимул забавный, хоть и звучит очень подростково. А во-вторых , и это не так глупо в его случае, он говорит, что понял, как важно работать быстро, поскольку все то совершенство , которое режиссеры так долго вымучивают, 90% зрителей вообще не замечает. И приводит в пример американца Стивена Субботника, который за 10 лет сделал 4 очень искусных фильма, а потом решил не фиксироваться на идее качества и за 7 лет сделал еще 14 фильмов, причем многие из них стали победителями фестивалей.

У Владимира Лещева из Латвии в этом году в программе фильм «День электрика» - рисованное кино в любимой им монохромной гамме оттенков чая. Вообще у Вовы чудесная атмосферная «чайная» графика, но в фильме он выбирает более жесткую и гротескную манеру, тем более, что сюжет абсурдный и иронический. Триггер истории – короткое замыкание в сумасшедшем доме, где больные смотрят телевизор марки «Гипноз», а дальше коротенькие нелепые эпизоды складываются вместе как паззл в сюжет в хармсовском духе «так начинался хороший летний день». Впрочем, кажется, все это только привиделось электрику, упавшему со столба.

Étreintes («Объятия») – это фильм недавней фрацузской студентки Justine VUYLSTEKER, снятый в Канаде в редкой технике игольчатой анимации, в которую, как я поняла, она внесла много своего, используя ротоскоп и всякие компьютерные возможности. Кино само по себе очень девичье, воспоминание о прошлой и нынешней любви и т.д. но игольчатая техника с ее очень красивыми туманными текстурами на экране много дает не слишком оригинальной идее. К тому же, как говорила Жюстин на «завтраке с режиссерами», ей важно было, что техника сама по себе очень тактильная, очень про чувствительность, кожу, тело, видимо, поэтому и тему взяла такую. В одном интервью она говорит об этом очень интересно, объясняя, что игольчатый экран без теней напоминает кожу: «Трубки, которые держат штифты, выглядят странно, как поры нашей кожи ... и когда вы нагреваете экран, чтобы иметь возможность манипулировать им, воск, который удерживает штифты, размягчается и течет из труб, как пот. Когда вы немного притягиваете штифты, это похоже на появление мурашек». Она рассказывает, что придумала это кино три года назад в короткой резиденции, как раз в Анси, где ей дали поработать с «Эпинетт», - это последний игольчатый экран из тех, что сделали когда-то Алексеев с Паркер, теперь восстановленный специально для французского киноцентра. (До этого единственный рабочий игольчатый экран был в Канаде, его купил NFB у Алексеева почти 50 лет назад по просьбе Макларена и на ней работали Друэн и Мишель Лемье). Сама съемка была в Монреале, но целиком на французском экране и все очень гордятся, что это первый фильм, целиком снятый на Эпинетт после Алексеева. Кстати, что касается той же телесности, Жюстин говорит, что в работе с Эпинетт, пожалуй, телесности больше, чем с экраном NFB, потому что на его поверхности есть недостатки, которые реставрация не могла исправить, как шрамы на теле. И, как она трогательно говорит: «есть рабочее положение, требующее крайней близости между экраном и аниматором, похожее на объятья». В общем, ясно, что процесс и его импровизационная часть тут были куда важнее рассказанной истории.

Фильм Fest Никиты Дьякура есть в сети целиком, мне кажется после успеха прошлого фильма «Урод», где Никита начал разрабатывать этот визуальный стиль, он не особенно рассчитывал на фестивальный успех нового коротенького этюда (а успех уже есть, в частности, приз в Загребе). В «Уроде» главное напряжение строилось на несовпадении очень простой сентиментальной истории о дружбе уродливого кота с человеком и визуального стиля, всячески подчеркивающего свою компьютерность, где вся конструкция 3Д персонажей на виду, «швами наружу», а движение их выглядит, как нелепые скачки марионеток на ниточках. В «Празднике» Никита идет еще дальше по пути обнажения приема, теперь у персонажей даже есть нити, ведущие к невидимому кукловоду и нет никакой определенной истории, как будто это просто зарисовка. Мы видим, что придуман особый мир и этот мир живет и движется по своим законам: во дворе гуляют мамаши с колясками, едят мороженое, кто-то запускает дрон, гопники танцуют, приятель снимает их на камеру, с крыши парни запускают в полет на резинке девицу. Камера мечется: то мы видим танцующих крупно, то весь двор будто бы с дрона, то в сумасшедшем полете глазами летящего на резинке. Верх и низ переворачиваются и видны все ребра нарисованного неба. Фокус тут в самом соединении как бы процесса работы художника, который весь на виду, со всеми своими черновыми деталями и мира, который живет сам собой, не подчиняясь ему и не дожидаясь, когда будет доведен до совершенства. Кстати, Никита и сам говорил, что в компьютерной технике, которую он выбрал, много импровизационного и многие вещи получаются неожиданно не так, как планировались.

Фильм Hunter японца Ryoji YAMADA с довольно эффектным, хотя и не сказать, что вполне оригинальным дизайном – это мрачная фантастика на тему злобных медиа, которые сами питаются и людей кормят слухами, то есть и по мысли нельзя сказать, что оригинально. Помню, что прошлый фильм «Официант» у него был с похожим дизайном, хотя сюжетно еще менее внятный. В дизайне он сам видит свою связь с Игорем Ковалевым (вот ведь на скольких повлиял!) и рассказывал, что, когда он учился, а это было 10 лет назад, у них преподавали и Ямамура и приезжали Ковалев с Пярном, оттуда все и пошло. Вот фильм в сети целиком.

III (так сокращенно теперь Марта Пайек называет третью часть своей трилогии Impossible Figures and Other Stories ), получилась отличная и мне очень жаль, что в Анси ее никак не отметили, но хоть в Загребе дали спецприз. Вторую часть я очень люблю, она для меня вошла в десятку лучших фильмов года пару лет назад и этот фильм для меня входит в пятерку фаворитов Анси. Марта говорила, что под «Невозможными фигурами», она подразумевает фигуры, которые нарисовать можно, и кажется ясно, что это, но на самом деле это иллюзия, в реальности такого быть не может (что-то вроде Эшера, как я понимаю). Все три части своего триптиха (она начала со второго, так что остался еще первый) она посвящает пространству. В предыдущей части главными героями была женщина и ее дом, постоянно меняющийся, обманывающий ее, путающий, как лабиринт. Второй частью стало пространство тела и именно поэтому картина более минималистичная. Фильм начинается с того, что снова женщина входит в помещение, та или не та, что была в первой части, мы так и не узнаем, но на ней, похоже, та же шуба, тот же мех, который в финале предыдущей части обнимал ее, рыча, как чудовище. А потом женщина входит в комнату, где ее ждет мужчина, и их попытки контакта выглядят чем дальше тем более брутально и дико: они буквально залезают друг другу под кожу, в тело, уродуя его, растягивают рот, рвут глаза. Это не физиологично и не кроваво, на мой взгляд это ясная и очень выразительная метафора психологического насилия, но, вероятно, интерпретировать можно по-разному. Мне нравится, что герои совсем не молодые – с морщинами, опухшими глазами, узловатыми пальцами, несовершенными, дряблыми телами, то есть люди живут так давно и этот способ коммуникации для них привычен. И еще мне очень нравятся песни, которые Марта берет на финал своих фильмах. В этом была The Garden - Einstürzende Neubauten (1996), а в прошлом - I'll Be Your Woman Мишель Гуревич. Как я понимаю, последняя (а по номеру первая) часть будет уже выходом за пределы дома, в пространство города.

Фильм Le chat qui pleure сняли Alain GAGNOL и Jean-Loup FELICIOLI, после своих знаменитых полных метров (мне больше нравился «Мальчик-фантом», но «Кот в Париже» тоже был неплохой) они редко снимают короткометражки. Но вот уже вижу вторую, снова снятую на «Фолимаже», хотя с этой студией теперь происходит что-то непонятное и не похоже, что к лучшему. У этой пары выработанный годами, довольно однотипный, хоть и симпатичный дизайн с «модильяниевскими» лицами и в этот раз, увидев на завтраке с режиссерами Алена, я поняла, что это с него Жан-Лю постоянно рисует узкие лица с раскосыми глазами, он действительно будто вышел из их фильмов. Ганьоль и Филисьоли любят страшное кино, работают в этом ключе и в новом фильме, где берут удивительный для анимации ход – центральная часть ленты практически вся статична и держится на застольном разговоре. Диалоге мальчика, который так ненавидит маленького брата, что хочет его убить, с довольно гадким стариком, который признается ему в таком же преступлении и подзуживает: пожми мне руку, которой я убил и у тебя все получится!

Полтора года назад, когда нас после фестиваля в Оттаве водили с экскурсией по NFB, я как раз видела, как Patrick BOUCHARD снимал Le Sujet и это было очень впечатляюще - на столе лежал как будто вскрытый труп самого Патрика в натуральную величину, а сам он ходил вокруг. Собственно, кино его про то, что работа организма похожа на работу механизма и для этой аналогии он использует всякие настоящие старые механизмы, что очень красиво. Ну и в финале фильма, где мы видим, как он сам смотрит на куклу, как в зеркало, ты перестаешь понимать, где живой, а где труп. Это впечатляет, хоть в целом я и не большой поклонник этого кино. Надо поискать те фотографии и вот вам промо фильма:

Фильм Mang-ja-ui-sum (Остров мертвых) сняла нежная южнокорейская девушка Ji Hyeon KIM с довольно причудливым воображением. Малоприятная история с картинкой в духе манга про парня-некрофила, который живет на острове мертвых и из их частей сшивает себе партнеров для секса. В общем, для меня кино сомнительное во всех отношениях и особенно по части вкуса.

Maria ja 7 pöialpoissi («Мария и 7 гномов») – новый фильм эстонской звезды кукольной анимации Riho UNT. Как всегда по профессии у него все мастерски, но вообще я не поклонник этого режиссера и фильм про монахиню Марию, влюбленную в технику, особенно свою газонокосилку и испытывающую особую материнскую страсть к автомобильным свечам, которые она наряжает в кукольные костюмчики и читает им сказки на ночь, тоже не вызывает у меня восторга. Персонаж, правда, симпатичный, но что Унт хочет своим фильмом сказать, в чем там главный интерес, мне непонятно. Отдельного ролика не нашла, вот немножко из этого фильма вместе с двумя другими студии Нукуфильм.

Mr. Deer иранца Mojtaba MOUSAVI хорошо пошел по фестивалям, хотя в целом история не слишком оригинальная. Это сцена в подземке с антропоморфными животными, где главный герой – олень. Метафора очевидно подразумевает людей «потерявших человеческий облик», а закрытый вагон метро – очень традиционное место для демонстрации агрессии. При этом в городе, видимо, идет война, во всяком случае на станция мы видим разруху, жертв и тут становится понятно, как кто себя проявляет. Моджаба довольно хорошо работает с куклами, но фильм остается несколько вторичным.

Немецкий (и швейцарский) режиссер Gerd GOCKELL всегда интересно и по-своему работает с абстракцией, тут в трехминутном фильме Not My Type он играет с историей типографики, старыми литерами, старыми и новыми шрифтами, огромным количеством мелькающего текста, из которого постепенно проявляется «Быть или не быть». И это симпатично потому что все это из реальных предметов и только собрано в компьютере.

Panta Rhei – фильм бельгийца Wouter BONGAERTS о биологе, который впал в депрессию, увидев выбросившегося на берег кита и явно сравнивая себя с ним. Неплохой, хоть и не слишком оригинальный 2Д и довольно хорошо разработанная история жизни героя с любящей женой, которая не понимает, что происходит, как, впрочем, не понимает и он сам. Такая история, наверное, лучше смотрелась бы, как игровая, но тут как раз тот случай, когда режиссер говорил, что фильм личный и снимать его было страшно. Сам Вутер, крупный, красивый молодой мужчина, про которого никогда не подумаешь, что у него что-то не в порядке, признавался, что это совершенно автобиографический сюжет, что он, конечно, не биолог, но с помощью фильма пытался победить депрессию. Еще говорил, что вода в фильме обозначает депрессию, а воды там много – и море, и постоянно льющий дождь.

Sarah VAN DEN BOOM сняла свой первый кукольный фильм Raymonde ou l'évasion verticale про старую сову (опять же, антропоморфную), мечтающую о любви. По кукольной части кино получилось милое и забавное (а еще вокруг совы почему-то все время скачут рисованные полупрозрачные маленькие феечки), там много симпатично придуманных сцен: ее взаимоотношения со скульптурой Девы Марии, которой Раймонда предъявляет претензии по поводу свой девственности, попытка ухаживания за почтальоном-собакой, работа по рассылке писем с грязными трусиками (она их мажет мягким сыром). Но сама история, на мой взгляд, выглядит невнятно и что за проблемы у совы, почему она так живет, я так и не разобралась.

Sellők és Rinocéroszok (Русалка и Носорог) венгерки Viktoria TRAUB – это воспоминания девочки о своей семье – о страстной матери с бесконечными любовниками, бабушке-русалке и отце, превращающемся от ревности в носорога. Все в несколько сюрреалистическом духе с нестандартным рисованным дизайном, но самое главное тут – цвет, какой-то невероятной интенсивности - яркая и дикая зелено-красная гамма, превращающая все кино в полное безумие.

Simbiosis Carnal, который сняла Rocio ALVAREZ – вот это настоящее высказывание Girl Power, очень нарядное и разнообразное про графике розово-голубое кино (как сама Росио говорит, что там использованы 4 графических техники) про то, что женское сексуальное желание принято осуждать и задавливать, а на самом деле мужина и женщина – все те же животные, которым нужен свободный секс, так что отбросим все условности и вперед, в объятья друг друга! Снимала она в Бельгии на какой-то новой студии со смешным названием Zorobabel, для которой ее фильм стал первым.

Strange Beasts режиссерки из Лондона Magali BARBÉ есть в сети целиком. Она рассказывала, что вообще-то работает в анимации, занимается заказной компьютерной графикой, спецэффектами и др. Смеялась: «впервые сняла игровой фильм (впрочем, тоже со спецэффектами, в которых главный смысл) и его тут же взяли в Анси». Рассказывала, что впервые работала без финансирования, даже не искала его, но все ей помогали. Магали, кстати, на «завтраке с режиссерами» все спрашивали, смотрела ли она «Блэк миррор», ну и действительно кино в ту же сторону - страх перед новыми технологиями и т. д. И очень качественный, внятный сценарий.

Telefonul (Звонок) Anca DAMIAN меня заранее ужасно интересовал, поскольку я ее большой фанат после «Крулика», а этот фильм у Анки первый короткометражный (вот ведь нестандартная судьба – начала с полных метров и пришла к короткому). Он как-то прошел незамеченным, а по-моему, в нем много интересного. Опять, как всегда Анка берет смесь техник и самое интересное – в ручной, самодельной, кукольной части. Она рассказывает о пожилой матери взрослого сына, ничего особенного не происходит: мать звонит сыну, рассказывает ему на автоответчик свой сон, просит перезвонить, а сама идет принимать ванну и не слышит ответного звонка. Мать большая, грузная, а вместо лица на куклу пришита фотография молодой, поскольку, видимо, самое главное, что у нее осталось – это воспоминания. Погружение в ванну для нее – это погружение в воспоминания, в прошлое, поэтому она уходит под воду, похожая на гору вещей, которыми полна ее жизнь от люстры и туфель до автомобиля. Там, в другой реальности, она снова молодая, и это уже рисованная фигура (тут наименее интересное изображение), но и здесь Анка играет огромным количеством богатых по фактурам старых поверхностей, на которых нарисован танец ее с мужем. Поверхности эти похожи на стены разрушающегося дома – кирпичи, плитка, ободранные обои, во всем этом есть история. Мама полностью уходит в другую реальность (мне особенно нравится, как на экране тряпочного телефона бежит вышитая надпись «Андрей»), и, как я поняла, в финале, когда сын приезжает – ее тяжелое материальное тело уже исчезло.

That Yorkshire Sound cнял Marcus ARMITAGE, тот самый английский парень, который снял отличный фильм «Мой папа» (он взял 2 года назад в Анси приз за лучший студенческий фильм). Тут он делает такой ритмический док, основанный на звуках Йоркшира, записанных в баре, на ферме, в лесу – люди, животные, растения, предметы, вода – все звучит, скрипит, лает, булькает, все составляет музыку. Маркус отличный график (не знаю, это цветные карандаши или мелки), он рисует калейдоскоп картинок на эту музыку, сам говорил, что звук связан с цветом, город мультикультурный, в нем много цветов, получается очень ярко. Все это музыкально и визуально закольцовывается в один день с утра и до ночного возвращения домой, без определенного сюжета, но очень обаятельно.
https://www.bbc.co.uk/programmes/p05gtpzb

Tightly Wound сняла американка Shelby HADDEN, причем она не аниматор, а документалист и менеджер краудфандинга (себе на фильм тоже собирала), фильм она сделала по собственной статье о собственном же вагинизме – то есть спазматической боли при любом проникновении в вагину хоть при сексе, хоть просто тампона. Ну и отсюда печаль при размышлении об одиноком будущем. Шелби была режиссером, аниматором позвала, как она говорит, единственного знакомого аниматора (вроде бы парень из Чили, на «завтраке с режиссерами» он сказал, что проблема такая серьезная, что он не смог отказать), графику выбрали не слишком оригинальную, видимо, имелась в виду ее простота и доходчивость. Все довольно подробно – схемы, проблемы с врачами, которые не знают, что делать, с парнями и др., в общем, новое поколение девушек-аниматоров продолжает подробно исследовать свой организм. В этот раз, впрочем Шелби пошла дальше, чем недавние авторы «Киски» и «Клитора», она с самого начала в фильме подчеркивает, что это ее личная история, а на титрах мы читаем надпись, что совсем недавно у нее был первый секс и вообще жизнь налаживается. Когда после фильма режиссерка, про которую мы теперь знаем так много, встает и раскланивается перед бурно аплодирующим залом, чувствуешь себя довольно странно. Но таков наш новый мир.

Vibrato снял француз Sébastien LAUDENBACH, которого теперь, после полного метра «Девушка без рук», очень любят в Анси и в программе было несколько его работ, включая концерт с его одновременным рисованием. Этот фильм начинается, как разговор двух женщин на могиле мужа одной из них и она рассказывает, какой ее муж был страстный и как они занимались сексом во всех углах их дворца, а потом показывается сам этот дворец со всех сторон, постепенно наполняющийся водой, как будто семенной жидкостью и к концу мы понимаем, что этот дворец – Опера Гарнье, то есть национальная парижская опера, которую построил Гарнье и это у его могилы стояли женщины. Лауденбах рассказывал, что хорошо знает это здание и оно вместе со всеми своими деталями – ложами, канделябрами, люстрами – всегда производило на него очень эротическое впечатление. Это фильм скорее про архитектуру, там мало собственно анимации, больше монтажа, причем, как я поняла, это был заказ сделать фильм именно про здание, но в том как – Лауденбаху дали полную свободу. И он порезвился.

Ну и последний по алфавиту фильм короткометражной программы – Žltá (Желтый) Ivana SEBESTOVA из Словакии. Мне очень нравился ее давний фильм «Четыре» со сложной четырехчастной структурой и переплетением фантастических любовных историй. Тот фильм был очень яркий, этот тоже. Тут история про певицу, которая боялась солнца и желтого света, в котором сразу начинала тонуть, поэтому всегда держалась в тени. Ход довольно эффектный и вообще нарядное кино, но все же не такое лихое, как прошлое.